El arte moderno comenzó cuando los artistas decidieron que las reglas del pasado no tenían por qué dictar las del futuro. Desde que los impresionistas abandonaron los talleres para pintar al aire libre hasta que los artistas conceptuales cuestionaron si la pintura era siquiera necesaria, el arte de los últimos 150 años es la historia de una revolución continua. Esta guía la recorre de forma accesible.
El impresionismo (1860-1890): la luz como sujeto
El impresionismo nació en Francia cuando un grupo de pintores decidió abandonar los temas históricos y mitológicos de la academia y salir a pintar la vida cotidiana al aire libre. Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Camille Pissarro y Berthe Morisot captaban la luz cambiante con pinceladas visibles y rápidas que escandalizaron a los académicos de su tiempo.
El nombre «impresionismo» fue inicialmente un insulto: el crítico Louis Leroy lo usó para burlarse del cuadro Impresión, sol naciente de Monet. Los artistas adoptaron el insulto como nombre de guerra.
Obras imprescindibles: Los Nenúfares de Monet (Musée de l’Orangerie, París), El almuerzo de los remeros de Renoir, La clase de baile de Degas.
El postimpresionismo (1886-1910): la subjetividad entra en escena
Si el impresionismo buscaba capturar la luz objetiva, el postimpresionismo añadió la subjetividad emocional del artista. Cuatro figuras dominan este período, cada una abriendo una puerta diferente hacia el arte moderno:
Paul Cézanne deconstruyó los objetos en formas geométricas básicas, anticipando el cubismo. «Cézanne es el padre de todos nosotros», dijo Picasso.
Vincent van Gogh usó el color y el movimiento de la pincelada para expresar estados emocionales extremos. Sus cuadros Noche estrellada y La habitación en Arlés son dos de los más reconocibles del mundo.
Paul Gauguin abandonó Europa para pintar en Tahití, buscando una espiritualidad primitiva y unos colores que la civilización occidental había reprimido.
Georges Seurat inventó el puntillismo: construir la imagen a partir de pequeños puntos de color puro que el ojo mezcla ópticamente desde la distancia.
El cubismo (1907-1920): deconstruir la realidad
Pablo Picasso y Georges Braque crearon el cubismo como respuesta directa a Cézanne: si la realidad puede descomponerse en formas geométricas, ¿por qué no mostrar múltiples perspectivas del mismo objeto simultáneamente?
Las Señoritas de Avignon de Picasso (1907) es la primera obra plenamente cubista. El Guernica (1937), pintado como respuesta política al bombardeo fascista de una ciudad vasca, es la obra más importante del cubismo y del arte político del siglo XX.
El surrealismo (1924-1945): el inconsciente como territorio artístico
Influenciado por el psicoanálisis de Freud, el surrealismo propuso el inconsciente como el territorio más fértil para el arte. André Breton redactó el Manifiesto Surrealista en 1924; Salvador Dalí, René Magritte, Max Ernst y Joan Miró fueron sus principales pintores.
Salvador Dalí es el artista surrealista más conocido del mundo, famoso por su bigote y sus declaraciones provocadoras tanto como por sus pinturas. La persistencia de la memoria (los relojes blandos) es probablemente la imagen surrealista más reproducida de la historia.
El expresionismo abstracto (1940-1960): el gesto como forma
Después de la Segunda Guerra Mundial, el centro del arte mundial se desplazó de París a Nueva York. Los expresionistas abstractos americanos —Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning— convirtieron el gesto del pintor y la emoción pura en el contenido del cuadro.
Pollock pintaba tirando pintura directamente sobre el lienzo en el suelo (dripping). Rothko pintaba grandes campos de color que buscaban producir estados contemplativos en el espectador.
El arte pop (1955-1970): la cultura de masas entra en el museo
Andy Warhol, Roy Lichtenstein y Richard Hamilton introdujeron los iconos de la cultura popular (latas de sopa Campbell, viñetas de cómic, fotos de Marilyn Monroe) en el museo de arte. El arte pop cuestionó la distinción entre arte «elevado» y cultura popular y anticipó el mundo de la imagen que vivimos hoy.
El arte conceptual y el arte contemporáneo (1960-presente)
El arte conceptual propuso que la idea era más importante que el objeto físico. Joseph Kosuth, Sol LeWitt y Lawrence Weiner demostraron que una frase escrita en la pared, una instalación de luz de neón o una instrucción impresa en papel podían ser tan arte como un cuadro al óleo.
El arte contemporáneo actual es tan diverso que resulta difícil de definir. Incluye instalaciones, performance, arte digital, net art, bioarte, arte de activismo político y casi cualquier práctica que un artista y una institución acuerden llamar arte. La pregunta «¿esto es arte?» es hoy una pregunta productiva, no una queja.
Entender la historia del arte moderno no solo enriquece las visitas a los museos: transforma la manera de ver imágenes, de entender la publicidad y de percibir el entorno visual cotidiano.
